我是個草間彌生迷，從高中就開始對她深深著迷，這次來台灣展覽早早就有親朋友好友通知我──當然不能錯過。
走進高雄美術館大廳，紅底白點的大球像細菌一樣附著在各處，宣布《圓點的執念》將在此擴散。上二樓展場映入眼簾的是一面簡介的牆，白底牆面上佈滿繽紛的圓點，斗大的標題寫著《夢‧草間彌生》，十分的療癒、夢幻。
才過一個轉角變成了黑暗的房間，裡頭大大小小的家具上面全是螢光色的圓點，使得立體的家具更立體。早些在圖片上看過，以為是各色的雷射光，走進才發現是紫光打在貼紙上。遊蕩在房間裡，虛實交替與主題《我在這裡，但什麼也不是》完全契合。羅蘭‧巴特說：「作者已死」在這空間裡作品跟觀眾對話，我什麼也不是；在這亦虛亦實的空間裡，我什麼也不是；在圓點的執念中自我消融，我什麼也不是。
經過《天國之梯》天花板和地板各有一面鏡子，變色的梯子夾在中間無限延伸。往上往下看似乎無止盡，換個角度想它們並非是一直延伸而是在盡頭會合，上即是下、下即是上，顛倒看、橫著看，視角不同便有不同的觀點。變色的梯子帶點詭譎卻又是七彩循環，我想此時的草間彌生已經擁抱了她的恐懼，坦然的去面對了，接下來是繼續無盡的攀爬，直到人生的盡頭成了她最後的圓。
圓點是大眾對草間彌生的第一印象，她約10歲時就開始產生各式各樣的幻覺：圓點自各出溢出，花會朵對著他撕牙裂嘴的咆嘯、說話等。後來才被醫生診斷為是解離症，一種記憶、自我意識(認知)功能上的崩解。起因通常是極大的壓力或極深的創傷，產生的精神上的防護機制。生於日本長野縣松本市園藝大戶的草間彌生，母親認為藝術家是有辱家族的職業，加上拘謹的傳統日本民族性格、父母失和，環境帶來的壓力、壓抑可想而知。
自小目睹父親外遇，甚至被迫去找人，連臥軌自殺都被責怪為何追丟了，使她對於男性與性有著深深的恐懼。本次展覽有展出的《積聚──千舟連翩》便是她面對此恐懼的「陽具」系列作品之一。一艘船上載滿了象徵陽具的軟雕塑，在環繞陽具意象的圖片中船頭向外，表現出背負恐懼欲向外走出的渴望。
紀錄片《≒草間彌生》當中她說：「/那是強迫性的情緒動作，重複的行為能讓我安定。」所以在早期她創作了一系列關於網、圓點、異型植物的作品來面對各式各樣的恐懼，她稱之為自我消融。1954年，草間在繪畫作品《花（D.S.P.S）》：「某日我觀看著紅色桌布上的花紋，並開始在周圍尋找是不是有同樣的花紋，從天花板、窗戶、牆壁到屋子裡的各個角落，最後是我的身體、宇宙。在尋找的過程中，我感覺自己被磨滅、被無限大的時間與絕對的空間感不停旋轉著，我變的渺小而且微不足道。剎那間，我領會到這不是只有我的想像，是現實中的狀況──我被嚇到了。於是我對於紅色桌布和上面的花紋產生了強烈的恐懼，我認為它就像是咒語，正在剝奪我的生活，我衝上階梯企圖逃離，但階級卻在我腳下散開，於是我從上面跌下來，腳踝也扭傷了。」
「要不是藝術我早就死了。」在學習各式各樣的藝術中體會到藝術之於我的療癒。有一陣子低潮的我突然想起了草間彌生提出的這個方法(?)於是我畫了很多關於重複的圖形和圓點，沉浸在執念和畫中，慢慢的，一切安靜了下來，似乎到了虛空。眼淚、笑容全部自然的流出，最後是「空」，我在想最近興起的纏繞畫或許也是這樣的概念吧。
1978年草間彌生發表第一部小說《曼哈頓自殺未遂慣行犯》也就是我們在通過《天國之梯》後所看到的影像來源，此書已經絕版，但看標題就能猜測其內容跟一直自殺未成的人有關，而裡頭出現的黃色蟒紋最早出現在通心粉相關的系列當中。
1955年草間彌生開始寫信給美國藝術家喬治亞·歐姬芙，經過兩年多的通信、寄作品終於獲得幫助到了美國。剛到美國的草間彌生沒有家人的支持十分貧困，為了省錢曾經長期吃通心粉，因而產生了對通心粉的恐懼、噁心。「靠在宛如幻覺的路標上走向藝術」每個人的第一部文學創作幾乎都會與生活相關，草間彌生畢生對抗幻覺，定是十分痛苦的。
1968年《草間の自己消滅》得到了比利時第四屆國際短片大獎與第二屆日本聯合樹下電影節（アン・アーバー映画祭）的銀獎。其影片充斥各種圓點和加速──非常暴力的視覺，非常詭譎的死亡氣氛。現在這支以《曼哈頓自殺未遂慣行犯》為主題的影片當中，簡單重複的動作在充滿執念的圓點、蟒紋中展現出那種面對死亡的無畏。
「無論是造形藝術創作，或是撰寫小說與詩，都是我追尋真理的方式。」我覺得草間彌生和畢卡索一樣，是非常具有創造力的藝術家，她不斷的嘗試各式各樣的素材和主題、詩、影像等，從面對到對抗到擁抱，作品中那過程清清楚楚的烙印在每個喜愛、研究草間彌生的人的心裡。
紅色的軟雕塑像是掙脫束縛一樣竄出、富有生命力。經過了執念糾結的網，走過《再生時刻》我們更接近現在的草間彌生。鏡屋、影像、愛、宇宙，在和幻覺、社會長時間的戰鬥後如同畢卡索一樣回到了最初的自己，開始探討宇宙的真理和療癒內心裡面那個小女孩。我們從近期的作品中不難看出這點，撕牙裂嘴的花成了富有卡通感的怪獸，倘佯在那繽紛絢麗的白底圓點中與狗和孩童們同樂。
回過頭來看這件2015創作的作品《我在這裡，但什麼也不是》，即使現在的草間不斷的探討宇宙、擁抱和面對死亡，並且以愛做為創作主體。但如此的執著甚至激進配上這個作品，不免讓我在想：或許童年的記憶和自我認同上似乎還是有著說不出的痛，亦透過標題與作品的呼應讓觀眾思考「我」的存在。
草間彌生在創作時非常的直接，一有想法就踩出第一步，然後其他的順著感覺走，但不隨便。「不決心做出最好的作品跟本無法當藝術家」她認真的看待自己的作品或者說是感覺，因為這是一場療癒、戰鬥和分享。我想就因為如此草間彌生的，畫作總是這麼動人，每個時期的風格都是如此的震懾人心。從早期執念、抵抗的糾結和暴力，到後來展場內可愛的花朵、孩童與狗，令小孩驚喜、瘋狂的直呼可愛、成人們微笑，這種純粹的感染力、療癒力即是草間彌生的魔力，我想這也是為何她會成為當前藝術圈裡最有人氣的女藝術家的原因。
「藝術家不會崇拜別人，因為自己的作品才是最棒的，不自戀就無法繼續創作下去。」觀看過草間彌生相關紀錄的人或許會覺得她自戀過頭了，但就我的觀點：走在前端的人是很孤獨的，會遭受到很多的批評、爭論，他們必須有十足的勇氣和動力才能一直做下去，否則將會落得跟派克屈‧徐四金(Patrick Süskind)《深度的壓力》裡頭的主角一樣的下場──迷失甚至死亡。
草間彌生非常愛護自己的作品，她成立了一個財團法人基金會存放原作，外頭大部分都是複製品，釋出販賣的真跡也不多，只有在海外巡展才會拿出真跡，這次有幸在高雄美術館看到她的真跡是畢生難得的榮幸，亦於此表達對承辦單位的感謝。
草間彌生在動身前往美國前，將數百張畫作燒毀「我知道自己能做出更好的作品。」因此在前往美國前的作品有保留的非常少，這次的展覽大多都是1973年回到日本後的作品，重點放在愛和宇宙，其色調也與開展主題相符。但策展人也非常用心地安排了各式各樣不同面向的裝置，亦在粉絲團上Po文讓觀眾可以看到各個面向、時期的草間彌生，也補足了無法全面展示各個時期的小缺憾，畢竟據我所知這是草間彌生的一次來台灣辦展，許多草間彌生的愛好者一定恨不得能看到她各個方面的作品。
草間彌生是個非常執著和衝撞不公平體制的人，曾經進行過一連串反戰和性解放的乍現(類似現在的快閃)、將不尊重人體模特兒的客人趕出(她對於父權社會對女生的欺凌也多次表達不滿)，其行為在當時顛覆了許多人對日本人的印象，當然也在日本造成了不小的轟動，甚至有人用「國恥」形容她，更在說安迪沃荷抄襲的風波後被冠上藝術圈「醜聞女王」的稱號。
此展陽台上擺滿了銀色的球，內外皆有延伸至下面庭院的作品《自戀庭園》，最早便是出自於衝撞：1966年草間彌生想參加三十三屆威尼斯雙年展，申請被拒的她在雙年展外面鋪500顆塑膠銀球，鋪滿於戶外草坪之上，用一顆兩元美金的低價賣給觀眾，她主張藝術應該是平易近人的，也藉此批判資本主義的主流市場。我比較好奇的是：當今亞洲最賣座的女性藝術家，現在是如何看待這件事？
最後在要離開前，我們到了《消融之屋》純白的空間及家具上佈滿彩色的圓點，入口有服務人員發放圓點貼紙，讓觀眾有機會參予草間彌生的藝術創作，也從過程中去體會圓點療癒與樂趣。
說到這，文章的尾聲一定會有人問：「不過是一些小孩子也畫得出來的東西有什麼特別？」我曾經被這樣問過，當然也有「草間彌生的圓點跟別人的圓點有什麼不同？」、「你能看出什麼意義嗎？」這類的問題。我喜歡草間彌生的原因最初是欣賞她的執著和衝撞，還有如文中提到的直接、純粹，每一個圓點都是她的救贖、每件作品她都全神的灌注。
很抱歉，我實在無法替每個作品作剖析，誠如蔣勳老師說過的：「當我們把美、藝術像解剖一樣一刀一刀的剖開的時候，它就不美了。」那樣純粹的作品和精神令我動容。
我常說『打動』這個詞很厲害，因為我們身體裡面有個東西像樂器一樣被震動了，草間彌生的一切就是打動到我了。當你仔細的慢慢的看會感覺好像知道什麼又說不出來－－她的圓點就是不一樣。
很抱歉，我實在無法替每個作品作剖析，誠如蔣勳老師說過的：「當我們把美、藝術像解剖一樣一刀一刀的剖開的時候，它就不美了。」那樣純粹的作品和精神令我動容。
我常說『打動』這個詞很厲害，因為我們身體裡面有個東西像樂器一樣被震動了，草間彌生的一切就是打動到我了。當你仔細的慢慢的看會感覺好像知道什麼又說不出來－－她的圓點就是不一樣。
「我學四年,可以畫的像拉斐爾；但我學了一輩子,才能畫的像小孩。」
──畢卡索（Pablo Ruiz Picasso，1881年10月25日－1973年4月8日）
參考資料
《就是喜歡！草間彌生。》
《美術手帖：草間彌生特集》
《無限的網：草間彌生自傳》
《A Dream I Dreamed: 草間彌生亞洲巡迴展台灣站粉絲團》
《≒草間彌生》
高美館參觀了後
回覆刪除整個人陷入點點的瘋狂狀態
真的很棒!